Pintura digital é bastante complicado. Você obtém o software adequado e é isso, você pode começar a pintar. Cada ferramenta, mesmo o mais poderoso, está ao seu alcance. Todas as cores estão prontos para serem utilizados, sem mistura necessários. Se você acabou convertido em Photoshop da pintura tradicional, não é tão difícil; você só precisa encontrar as vias de suas ferramentas favoritas.
Mas se você é um novato em ambos os tipos de arte, o início é um
pesadelo-o de que você não está ciente de que você está sonhando!
O trickiness de Photoshop é baseado em sua aparente simplicidade: aqui
está o conjunto de pincéis, aqui estão todas as cores, aqui está a
borracha, e este é o comando Desfazer. Você começar a pintar, parece ruim, então você procurar outras ferramentas para torná-lo melhor. E basta olhar quantas ferramentas existem! Você experimentá-los todos, um por um, ea magia acontece. No entanto, "mágica" significa que você está deixando Photoshop pintura para você.
Você não tem nenhum controle sobre isso, mas ele ainda parece melhor do
que você, um novato, nunca faria (pelo menos, é o que você acredita).
Então você deixar isso acontecer e produzir lotes de imagens na
esperança de que eles vão se transformar em obras de arte um dia.
Artistas digitais profissionais que você admira usar o Photoshop para
trazer suas visões para a vida, mas usá-lo como uma ferramenta, não uma
máquina de produção de arte. Qual é a diferença?
Profissionais imaginar um efeito e tornar o programa fazê-lo.
Iniciantes que o programa faça algo e se eles estão satisfeitos, eles mantêm o efeito.
Será a segunda opção soa familiar? Se assim for, continue lendo.
Neste artigo, vou mostrar-lhe como melhorar dez diferentes aspectos de
seu fluxo de trabalho de modo que você se tornar um artista consciente
Photoshop. Com estas dez dicas simples que você vai entender os erros que poderiam ter sido bloqueando você por um longo tempo! Nota:
os problemas que eu estou descrevendo se aplicam a uma situação em que o
artista consegue o efeito não intencional, ao ir para o estilo
realista.Estes não são os erros se você planeja-los!
1. Tamanho errado Canvas
Iniciando uma nova imagem é brincadeira de criança. Você vá em File> New, ou, se você estiver mais avançado, utilize o Control-N atalho. Parece tão simples que é muitas vezes esquecido. Há três aspectos a este assunto.
1. uma tela muito pequeno
Assim como todos os objetos são feitos de átomos, cada pintura digital é feita de pixels. Isso você provavelmente sabe. Mas exatamente quantos pixels que você precisa para criar uma pintura detalhada? 200x200? 400x1000? 9999x9999? Um erro comum iniciantes é usar um tamanho da tela semelhante à resolução de sua tela. O problema é que você nunca sabe o que seus telespectadores resolução usar!
Vamos dizer que a sua imagem parece na tela como no exemplo 1. É tão
elevado quanto poderia ser, sem a necessidade de rolar sobre ele, e isso
é OK para você. Esse é o maior você pode obter em sua resolução, 1024x600. Usuários com resolução de 1280x720 (2) e 1366x768 (3) não poderia reclamar ou. Mas observe o que acontece para usuários com maiores resoluções-1920x1080 (4) e 1920x1200 (5). Progressivamente, a imagem ocupa menos espaço e menos na tela. Para esses usuários, você realmente não usar toda a altura que você poderia! E não é apenas a questão de "espaço branco" em torno de sua imagem. "Resolução Bigger" nem sempre significa "tela maior". Seu smartphone pode ter mais pixels em sua tela compacta do que você tem no seu PC! Apenas olhe:
Mesmo tamanho, resolução diferente
O tamanho diferente, mesma resolução
O que isso significa? Para outros espectadores do que você, a imagem que você planejou para preencher a tela inteira pode ser parecido com este ...: Mas o tamanho que você escolher para a sua imagem não é apenas sobre isso. A resolução maior, quanto mais pixels que tem.
Em menor resolução de olho pode levar 20 pixels, enquanto que em uma
resolução maior do que pode ter 20.000 pixels todos por si! Imagine que todos os detalhes legais que você pode colocar em uma grande área, tais!
Aqui está um truque legal: quando você pinta algo pequeno em um grande
resolução, não importa o quão superficial que seja, há uma boa chance de
que a distância (isto é, com menos zoom) ele vai olhar interessante e
intencional. Experimente! Um grande resolução permite que você zoom em detalhes ínfimos
2. Too Big uma lona
Isso significa que você deve sempre usar uma resolução enorme para dar mais liberdade? Teoricamente, sim. Na prática, nem sempre é necessário, e às vezes é impossível. Quanto maior a resolução, mais pixels seu curso básico tem.
Quanto mais pixels do acidente vascular cerebral, mais difícil se torna
para a sua máquina para processá-lo, especialmente quando se trata de
níveis de pressão com fluxo variável.
Então, isso é um argumento prático contra ela, você precisa de um
computador poderoso para usar grandes resoluções confortavelmente. O segundo ponto é grandes resoluções são destinadas para peças altamente detalhadas. Contrariamente à crença popular iniciante, cada pintura não deve ser detalhado. Mesmo quando você quer pintar de forma realista,
você pode ignorar um monte de informações que você deseja obter a
partir de uma foto-o que vemos na realidade não se parece com uma
fotografia!
Quando você usa uma resolução maior do que o necessário, pode ser
tentador para adicionar alguns detalhes aqui e ali, só porque você pode. E quando você faz isso, não há caminho de volta. Há muitos níveis de detalhes, mas um pedaço particular deve usar apenas um de cada vez.
Se você deseja criar rápido, pele pictórico, não gastar horas no olho e
nariz-it'll só fazem toda a peça olhar inconsistente e inacabado.
3. Too Big um tamanho final
Vamos dizer que você descobriu que a resolução perfeita para a sua pintura. Não é nem muito grande, nem muito pequeno-perfeito para o nível de detalhes que você deseja alcançar. Aqui está um pouco de espaço para outro erro. Essa resolução foi o tamanho de trabalho. Talvez você precisava de muitos pixels para chegar a esse detalhe olho, mas esse detalhe será visível "de longe", também. Por que deixá-los ver esses detalhes desagradáveis ... ... Se você pode fazê-los ver apenas o que é suposto ser visto? Antes de salvar o arquivo para a vista final, redimensioná-la. Eu não vou dizer a resolução mais ideal, porque não há nenhum. A regra é: quanto mais detalhada a peça, menos ele vai perder quando se apresenta em grande resolução. Quanto mais "modesto" a pintura, melhor ele vai olhar quando apresentado em versão pequena. Se você quiser saber mais sobre isso, ver o que os seus artistas favoritos resolução usar para postar seus trabalhos online. Só mais uma coisa: ao redimensionar a imagem, verifique qual algoritmo resample funciona melhor para você. Alguns deles nitidez da imagem, a qual pode ou não ser desejada.
2. Começando com um fundo branco
Pode parecer trivial, o que há de errado com um fundo branco? É ... neutro, certo? Olha só como uma folha de papel. O problema é que não há cor "neutra". "Transparente" é o mais próximo a ele, mas é impossível para pintá-lo. A cor é a cor. Quando dois deles ocorrer, uma certa relação aparece em sua própria. Para + cor branca A, esta relação é: "A cor é escura". Não importa o que sua intenção era, você começa com uma cor escura só porque você usou o fundo mais brilhante possível! Tudo é escuro em comparação a ele. O mesmo tom muda seu brilho relativo ao visto em diferentes origens
Na arte tradicional que usamos um fundo branco, porque tecnicamente é
mais fácil de colocar no escuro brilhante do que o contrário. Mas não há nenhuma razão para ele na arte digital! Na verdade, você pode até mesmo começar com um fundo preto, mas é tão ruim uma idéia de como branco puro. Na prática, a cor mais "neutro" que podemos obter é de 50% de cinza brilhante #808080 Por quê? A cor do fundo muda a forma como você percebe outras cores. Em um fundo branco, tons escuros aparece muito escuro, então você vai ser evitá-los. Em um fundo preto que ele vai trabalhar o mesmo com tons brilhantes. O resultado em ambos os casos será fraco contraste que você notar uma vez que você tentar adicionar algum outro fundo. Aqui está a prova: Eu comecei esta imagem com um fundo muito escuro, e quando eu queria acrescentar uma mais brilhante, parecia cegante!
Artistas experientes são capazes de começar a sua imagem com qualquer
cor e fazer o melhor possível, mas se você não se sentir confiante sobre
teoria da cor, sempre começar com algo neutro-nem muito escuro, nem
muito claro.
3. Evitar Strong Contrast
Claro que, às vezes, a sua percepção de claro e escuro pode ser perturbado pela má qualidade da tela. Se você usar um laptop, provavelmente você já notou como o contraste muda quando você olha para sua imagem de um ângulo. Como você pode conseguir um contraste apropriado que todo mundo vai ver como adequada, não importa o que eles usam telas? Mesmo que sua tela é boa, depois de focar uma imagem por um longo tempo sua percepção não é perturbada quer. Se você alterar tons ligeiramente passo a passo, que contrastam pode parecer bom só porque é melhor do que cinco passos antes. O objeto abaixo pode parecer bom ... .... Até que você compará-lo a um objeto com um contraste mais forte. E quem sabe, talvez se você comparação a outra para outro, seu contraste percebido cairia automaticamente? Photoshop tem uma ferramenta que ajuda nesta situação. É chamado de níveis, e é realmente um histograma-it mostra o quanto de cada máscara há na imagem. Você pode abrir esta janela, indo para Image> Adjustments> Levels ou usando o atalho Control-L. Como funciona? Dê uma olhada nestes quatro amostras:
Quase igual quantidade de branco, preto e tons médios
Única midtones pretas e escuras
Única tons branco e luz
Preto e branco apenas, quase sem meios-tons
Você pode lê-lo a partir do histograma? Você pode modificar os níveis, arrastando os controles deslizantes. Enquanto isso reduz a quantidade geral de tons, que ajuda a colocá-los no lugar correto no histograma. O histograma mostra-nos, há uma série de meios-tons em nosso objeto, mas também há uma visível falta de áreas escuras e claras. Não importa o que vemos, isso é o que o computador diz!
Enquanto não há uma receita perfeita para níveis (tudo depende da
iluminação da sua cena), uma total falta de áreas escuras e claras é um
mau sinal. Basta ver o que acontece quando passamos os controles deslizantes para o meio! O contraste mudou muito bem, mas a mistura tem sofrido com isso-que é porque temos menos meios-tons agora. Mas não é difícil de corrigir-lo manualmente! Existe uma maneira de usar máscaras apropriadas desde o início, para que tudo isso não é necessário? Sim, e ele realmente vai demorar menos tempo do que geralmente! A solução é usar tons menos-um escuro, um brilhante, um meio-tom, e um pouco de preto e branco. Para fazê-lo em prática, antes de iniciar uma imagem, o seu plano de iluminação em uma esfera:
Desenhar um círculo e preencha-o com a tonalidade mais escura (preto não recomendado).
Adicionar um tom médio.
Adicionar à sombra mais brilhante (o branco não recomendado).
Adicionar um ou dois meios-tons no meio.
Adicione uma pitada de preto e branco.
Você vê onde todas estas peças se encontram no histograma? Quando fundi-los, este é o que parece.
Use essa esfera como um conjunto de amostras para o seu objeto,
protegendo-o da mesma forma-sombra mais escura, meios-tons, luz mais
brilhante, mais meios-tons mais escuros, fendas e mais brilhantes
destaques. Em seguida, você pode misturar tudo! Se você misturar a esfera, você vai ter um muito bom histograma com um monte de tons médios! Uma última coisa.
Se você comparar essas duas cabeças, uma vez mais, um contraste com
adequada desde o início, e um corrigido, você vai notar a diferença.
É por isso que aumentando o contraste não pode realmente resolver o seu
cena, se você não considerar os valores a partir do start-todo o
material tem a sua própria gama de tons. Por exemplo, a parte mais escura de uma superfície branca será muito mais brilhante do que a parte mais escura de uma superfície preta. Isso significa que você deve se preparar como muitas esferas como há diferentes materiais em sua cena. Lembre-se: um objeto de luz sombreada com tons escuros é tão errado quanto um objeto escuro sombreado com tons claros!
4. Usando Brushes muito complicado e muito grandes Strokes
Quando você compara escovas tradicionais para aqueles Photoshop, a
diferença é tão impressionante que você pode se perguntar por que eles
compartilham o mesmo nome.
Afinal, escovas clássicas permitem pintar só a mais ou menos caóticos
cursos, enquanto os digitais criar obras de arte por conta própria. E aqui está o problema. Se eles criam alguma coisa por conta própria, você desistir de seu controle. Artistas profissionais utilizam sinais simples, na maioria das vezes, apoiando-se com as mais complicadas de vez em quando.
Usando pincéis complexos em uma base diária, não só faz com que você
lazy-lo também impede você de aprender a conseguir um efeito em seu
próprio país, porque não há nenhuma necessidade de se! Ao iniciar a sua aventura com pintura digital, é natural para procurar maneiras de progredir tão rapidamente quanto possível. Você quer resultados, aqui e agora. Escovas personalizadas são a resposta para isso. Você quer fur-aqui é a escova de pêlo; você quer escalas-aqui está o pincel escala. Você não pode pintar algo, baixar uma ferramenta que pode. Pincéis personalizados não são ruins, na verdade, eles são-muito útil. O problema ocorre quando você usá-los como base de sua "habilidade".
Se você realmente gasto tempo tentando entender como pintar pele
rapidamente, você entenderia que não é realmente feita de pêlos isolados
que você precisa para pintar um por um. Você iria saber que a visão de algo em nossas mentes é muitas vezes incompatível com a realidade. Você iria aprender a olhar e como criar o que você vê, não o que você acha que vê.
Em vez disso, você desistir depois de passar meia hora na pintura
cabelos individuais e procurar um pincel que vai fazer isso por você. Você encontrá-la, você está feliz, você está pronto para seguir em frente.
É tão fácil que se torna viciante, e você parar de aprender de
todo-você ao invés download de todos os truques, se fosse possível. Mas como é que os artistas tradicionais superá-lo? Eles realmente não têm uma tal variedade de pincéis. Como eles pintar pele? A resposta é simples-the mesma forma que se não existisse pincéis personalizados. Se você quer melhorar, se você quiser bater maldição de iniciação, descarte arbustos complicadas por um tempo. Atenha-se um conjunto simples, por exemplo este, e aprender a fazer o melhor dele. Não procure atalhos quando fica difícil. Lutar por ela, e você vai ter a experiência inestimável em vez de truques baratos. No "escova de pêlo" foi utilizado aqui
Indo Too Big
Outro erro comum ligada à escovas está usando demasiado grandes cursos. É, de novo, com base em impaciência.
A regra é que 80% do trabalho leva 20% do tempo gasto com ela, o que
significa que você precisa gastar 80% do tempo de trabalho de terminar o seu trabalho artístico. Se você criou o esboço, a base, cores planas e sombreamento simples em duas horas, ainda existem oito horas à esquerda. Além disso, durante essas oito horas você verá menos progresso do que durante os dois primeiros! Como desanimador é que? Você pode vê-lo claramente nos artistas peças do processo, por vezes, mostrar ao seu público, como este. Os primeiros passos são enormes-algo do nada é criado. E então ele diminui.
Você mal pode ver qualquer diferença entre os últimos passos, e ainda
que sutil diferença provavelmente levou mais tempo do que todos os
anteriores! Em que ponto você pararia? Este é o problema. Quando a imagem está quase terminado, você sente aquela vontade de terminá-lo e vê-lo já feito. Mas este é o momento em que você deve realmente começar! Lembro-me de ler um comentário em uma dessas processos de pintura: "Eu iria parar no Passo 4" [dos 10]. E essa é a diferença entre o iniciante eo profissional! Porque a outra parte dessa regra é: esse último, lenta e sutil de 20% do trabalho contribui para 80% do efeito final. A solução é simples. Você nunca deve terminar a sua fotografia com grandes pancadas (a menos que seja um speedpainting). Eles são reservados para o início, para que 20% do tempo. Use-os para bloquear as formas, para definir a iluminação, para adicionar grandes pedaços de cores. E então, gradualmente, ir menor, aumentar o zoom, limpar, adicionar os detalhes. Você vai ver que você está terminando quando você está trabalhando com uma pequena escova em um grande close up.
Geralmente, quanto mais lugares em sua imagem você toca com sua escova
(e quanto mais você alterá-lo, por exemplo, adicionando uma pequena
diferença no brilho ou cor com cada pequeno acidente vascular cerebral),
o mais refinado que vai olhar. Há um lado positivo a esta regra. Uma vez que 80% da obra não contribui muito para o efeito final, não há necessidade de se concentrar excessivamente nele. Comece suas pinturas rapidamente, vagamente, e salvar todos os seus esforços para mais tarde. Lembre-se: nem toda a pintura deve ser concluída apenas porque você começou. Ao descartar algo que você não acredita, você está salvando-se quatro vezes mais tempo que você já tenha desperdiçado!
5. Usando muitas cores
Artistas tradicionais não têm muitas cores pronto para usar. Eles devem aprender a criá-los, como misturá-los para obter o efeito que eles querem. Este inconveniente é, na verdade, uma bênção. Eles não têm escolha, mas para aprender sobre teoria da cor. Você, como um novato digitais, tem todas as cores possíveis dentro de seu alcance. E isso é uma maldição! Nós não entendemos intuitivamente cores. Não há nenhuma necessidade para em nossas vidas diárias. Mas como um artista, você deve mudar completamente sua perspectiva. Você não pode confiar na intuição mais, porque funciona mal neste tópico. Você precisa parar de pensar em cores como você conhecê-los, e apreender o conceito de Hue, Saturação, Brilho, e Valor. As cores não existe por conta própria. Eles são baseados em relações. Por exemplo, se você quiser fazer uma cor mais clara, você pode aumentar o seu brilho, ou diminuir o brilho do fundo. Vermelho, chamado de uma cor quente, torna-se quente ou fria, dependendo do que seu vizinho é. Até mesmo mudanças de saturação por causa de relações! Mesmo a tonalidade de uma cor pode mudar, dependendo do ambiente. E esse conhecimento é crucial para a pintura, não só para projetar, como você pode pensar! Um iniciante sem saber de tudo isso enche seu esboço com um conjunto de cores aleatórias. Eles escolher um azul, em seguida, adicione um verde,
sem qualquer indício de que eles estão pegando-os de milhares de outras
cores com tonalidade azulada e esverdeada, e que todos eles têm algum
tipo de poder! Isto é como um novato vê as cores:
Blues
Azuis enlameados
Grays
Blacks
Mas ... por que nós ainda temos tantas máscaras, se eles são inúteis? A resposta é, eles não são. Você só precisa entender de onde vêm eo que eles significam. Vamos ver o mesmo seletor de cores como visto por um profissional:
Azuis Saturado
Azuis saturadas
Azuis brilhantes
Azuis escuros
Parece complicado? Provavelmente, mas não é uma razão para ignorá-lo! Se isso é muito difícil, para manter os tons de cinza por um tempo. Entenda a questão da iluminação, sombreamento, e de mistura, e você terá uma base sólida para o futuro. Mais, cores (ou melhor: tons) são uma cereja no topo do bolo que chamou o seu trabalho artístico. Eles podem torná-lo mais doce, mas eles não podem ser a base do mesmo. Nenhuma quantidade de crosta de gelo faz um mau bolo bom! E se você decidir começar o curso de cor, tente estes artigos para um começo:
É difícil lutar contra essa tentação, tão duro que ele pode fazer você chorar. Eu sei-o bem. Ainda assim, se você quiser realmente aprender pintura digital, você não deve usar a ferramenta Conta-gotas para pedir uma cor a partir de uma referência. Por que é tão importante? Iniciantes geralmente usam baixo saturado laranja / rosa para a pele. Parece óbvio, mas o efeito está longe de ser natural. Se você usar uma referência, embora ... isso é uma história diferente!
Quase cada pixel tem um tom diferente, não só pink-você pode encontrar
vermelhos, amarelos, laranjas, roxos até mesmo frias, verdes e azuis. Saturação e brilho mudam o tempo todo, e ainda, o efeito final não se assemelha caos. Quando você escolher as cores a partir de uma referência, sua própria imagem ganha nova vida. O problema é que não é tão diferente de rastreamento.
No resultado de rastreamento você obter linhas que você não poderia
repetir-se, e ao escolher as cores que você começa bonita sombreamento
você não poderia repetir qualquer um. O efeito é incrível, mas você não pode ser creditado por isso. Há outra coisa. Escolher as cores pára o seu progresso. Você "comprar" os conjuntos de cores, em vez de aprender a criá-los. Você tem sua roda de cor com todos os controles deslizantes; todas as cores que você escolher pode ser recriado por você, em seu próprio país. Mas você ainda decidir usar os que já foram criados-é rápido e eficaz, mas você sabe o que é ainda mais rápido e mais eficaz? Tirar uma foto. Para tornar-se independente a partir de referências, um dia, você precisa aprender a ver as cores. Olhe para qualquer objeto perto de você-que é sua cor, brilho, saturação? É extremamente difícil dizer, não é? Mas se você continuar escolhendo as cores usando a ferramenta Conta-gotas, você nunca vai aprender. Você não pode começar uma corrida com suas rodas de formação continua. Todos estes estudos foram pintadas por mim de uma referência, mas sem usar a ferramenta Conta-gotas. Como um novato, começar com coisas simples-os menos cores, melhor
7. Adição de cores em tons de cinza sem valores apropriados
Eu pintei esta imagem em 2011. Esta é, certamente, uma cena comovente agradável, e eu ainda gosto bastante dele.
Eu lembro que eu pintei-a em escala de cinza e, em seguida, acrescentou
cores usando provavelmente alguns modos de mistura (a cores, se
multiplicam, Overlay). Lembro-me de ter este problema chato: como conseguir um amarelo adequada quando a pintura sobre tons de cinza? Eu não tenho o arquivo original mais, mas isso é como a versão em tons de cinza olhou, provavelmente. Observe que ambas as áreas verdes e amarelas são igualmente escuro. Isso não é verdade em realidade!
Quando eu era um novato como você, eu acreditava que a luz faz com que
todas as cores uniformemente brilhante, e sombra faz-los uniformemente
mais escura. É por isso que a pintura em escala de cinza parecia tão conveniente. Eu poderia ter focado em sombreamento, cores e acrescentou mais tarde.
Infelizmente, esse truque não funcionou, e ele me levou um longo tempo
(principalmente porque eu realmente não tentar) entender o porquê. A resposta é simples cores diferentes têm brilho diferente independente da iluminação. Quando você ignorá-lo, você obter cores barrentas como resultado. Cores adicionadas diretamente a uma imagem em escala de cinza são desprovidos de uma parte importante deles. Se você quiser saber mais sobre isso, eu escrevi um tutorial complexo sobre o tema do valor. Ambas as cabeças têm as mesmas cores aplicadas com o modo de cores. Observe que não é a camada de coloração, mas o que está por baixo o que importa
8. Shading Com o Dodge e Burn Ferramentas
As ferramentas Dodge e Burn são um dos favoritos do novato. Eles se encaixam muito bem a crença de que o Photoshop é um "programa de pintura". Você só precisa escolher as cores de base, e, em seguida, selecionar as áreas que você quer sombra.
O resto é controlada por algoritmos avançados, não por você, e isso é
ótimo, porque você não sabe o que fazer de qualquer maneira. No entanto, não é assim tão fácil. Essas ferramentas não são completamente inúteis, mas quando você é um novato, é melhor ficar longe deles. Eles não são "ferramentas de sombreamento". A ferramenta Dodge não é igual a "adicionar luz", e a Burn Tool não é igual a "adicionar sombra", qualquer um. O problema é que eles se encaixam visão de um novato sobre sombreamento tão bem que é difícil de superar a tentação. O problema não reside nas ferramentas, mas em um mal-entendido de sombreamento em si.
Iniciantes muitas vezes pensam que os objetos têm um pouco de cor, e
esta cor fica mais escura nas sombras, e mais brilhante na luz. Não é tão simples assim. Ele pode funcionar bem para cell-shading, ou para fins de banda desenhada, mas mesmo lá este é apenas um atalho. Se "espécie de" obras, porque não basta usá-lo?
É uma outra técnica que bloqueia seu progresso. Ao usá-lo, você nem percebe o que está perdendo. Shading é uma questão complexa, e você limitá-la à regra "escurecer-Clarear", porque é fácil. Photoshop está aqui para trabalhar para você, não em vez de você. Não deixe que isso te parar de aprender.
Ela aplana o objecto protegido.
Não importa quantas texturas que você adicionar a ele mais tarde, ele
funciona exatamente como um pincel grande, o que significa que você pode
começar uma foto com ele, mas nunca terminá-lo desta forma.
Ele deturpa as cores;
eles devem estar dependente do ambiente (luz direta, luz ambiente), mas
nem a ferramenta Dodge nem a Burn Tool sabe alguma coisa sobre o fundo
que você está usando. Eles sombra tudo da mesma maneira!
Há uma diferença de um ano entre estas partes. O primeiro foi protegido com o Dodge & Burn duo, o outro com uma compreensão da cor.
Sombreamento com preto e branco
A extensão desta técnica é o sombreamento usando branco para luz e preto para as sombras. Isto vem de uma crença de que todas as cores como preto começa (na sombra) e termina como branco (à luz). Embora possa ser verdade para fotografias sobrepostas e ocultas, que não deve ser uma regra usada na pintura. Todos nós procurar regras simples, algo fácil de lembrar e usar. Mas isso não significa que devemos inventar
regras simples que nada têm a ver com a realidade, como: "adicionar
branco para torná-lo mais brilhante, adicione preto para torná-lo mais
escuro". Este é verdade apenas para tons de cinza! Se você quiser saber quais as regras que você pode usar a sombra com cores, consulte este artigo.
Shading invariável
Quando você superar o problema anterior, você pode cair em outro. Vamos dizer que você escolheu laranja como a cor de base para o seu personagem. Você decide que a fonte de luz será amarela, ea luz ambiente será azul (céu). De acordo com isso, você muda a tonalidade da cor de base para amarelo na luz e na sombra azul, e isso é tudo.
Faz sombreamento muito mais interessante do que se você usou preto e
branco, mas ainda é um atalho que não necessariamente leva aos
resultados desejados. Por que é um atalho?
Com a criação de apenas três máscaras básicas para o seu objeto, você
automaticamente colocá-la em um ambiente artificial, onde tudo está
refletindo a luz de uma forma previsível de 100%. Na realidade, a luz é refletida de forma contínua fora tudo ao seu redor, incluindo os "montes e vales" de seu objeto 3D. Portanto, o sombreamento pode raramente ser limitados a dois ou três cores.
O azul do céu pode fazer algumas sombras no azul objeto, mas em algumas
outras fendas podem olhar esverdeado por causa da luz refletida da
grama. Além disso, algumas sombras pode ser realmente brilhante e saturado por causa da luz que entrava pela obstáculo para a "sombra" (ver subsuperfície espalhamento).
Se você levar isso em conta e decidir usar fontes de luz indireta para
fazer o sombreamento mais variada, você será forçado a pintar mais
deliberadamente e isso é ótimo! Você não pode usar uma escova grande aqui, porque iria misturar as cores e você perdê-los como resultado. E uma pequena escova significa que você está criando uma textura na mosca!
9. Misturando com uma escova macia
Existem dois métodos principais iniciantes usar para misturar tons, ambos projetados para efeitos rápidos:
A mesclagem com uma escova macia
Misturando com a Smudge / borrão Ferramenta
Como já aprendemos, efeitos rápidos, muitas vezes significa que eles estão fora de nosso controle. Neste caso, a mistura com grandes derrames achata o objecto e faz com que seja anormalmente suave. Mesmo se você adicionar uma textura foto depois, não vai demorar esse efeito "plástico" de distância. Novamente, este método pode ser bom apenas para essa fase de arranque.
Se você deseja obter uma textura sutil agradável (que é bom para a
maioria dos materiais naturais), use um pincel mais difícil com fluxo
controlado por pressão da caneta (o mais difícil você empurra, mais
sólida do acidente vascular cerebral). Este tipo de escova permite que você controle a quantidade de cor que você deseja usar. Graças a esse atributo, você não precisa de misturar a fronteira entre duas cores. Você acabou de começar com a cor de base e cubra-o levemente com o outro. Então você pode adicionar outra camada da mesma cor, tornando-se mais sólida. Se você quiser torná-lo mais suave, basta escolher uma cor em algum lugar entre e pintar levemente ao longo da fronteira. Para uma textura mais forte, use uma escova de textura (com arestas). De acordo com a regra 80-20, não se preocupar com a mistura na primeira fase. Use um pincel grande, e fazer as bordas aparente, criando um sombreamento exagerado. Mais tarde você pode usar um menor, pincel texturizado para misturar as bordas. Nenhuma ferramenta Smudge, não escova macia, apenas a ferramenta Conta-gotas e sua escova dura com fluxo variável. Lembre-se: mistura depende da textura da superfície, de modo que você não pode usar o mesmo modo de mistura para cada material!
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10. Usando 2D texturas para formulários 3D
Foto texturas são último recurso de um novato, quando o objeto é,
teoricamente, terminou, colorido e protegido, mas ainda parece um
brinquedo de plástico. No entanto, em si uma textura pode torná-lo ainda pior. Vamos dizer que nós queremos adicionar uma textura a este gato grande. O objeto deve ser protegido antes de adicionar texturas. A parte complicada é que não precisa ser um sombreamento completo.
O método de mistura depende da textura-se misturar sem ter qualquer
textura em mente, você vai ter uma mistura não-textura (superfície
lisa).
Você pode baixar uma textura a partir da Internet, ou utilizar um dos
padrões do Photoshop-há muitos deles nos conjuntos padrão. Este é o meu padrão favorito para escalas, invertido porta de tela. Se você mudar o Blend Mode da textura para Overlay, você vai vê-lo aplicado ao sombreamento. No entanto, notar que algumas partes foram iluminou. Você pode gostar dele se sombreamento não foi feito corretamente, mas é mais um caso de abrir mão do controle. Na maioria dos casos, não queremos que a textura para criar a sua própria versão de sombreamento. Enquanto o modo de sobreposição não é a melhor solução, permite-lhe ver como a textura olha no objeto.
Agora, o mais importante e negligenciada. Se o objecto se destina a ser 3D, pode não ser bem coberto com uma textura 2D. Precisamos ajustar a sua forma para a forma que cobre. Existem três maneiras principais de fazer isso, experimentar e descobrir o seu favorito:
O Free Transform Ferramenta (Control-T) na urdidura modo
Filtro> Dissolver
Edit> Puppet Warp
Para esferas é melhor usar Filter> Distort> Spherize Antes de usar Puppet Warp Depois de usar Puppet Warp O modo de sobreposição ilumina as partes da camada coberta com áreas brancas da textura. Nós
poderíamos usar Multiply vez (faz áreas brancas transparentes), mas
faria tons graduais (cinzas) mais escuros do que o necessário. Há uma outra ferramenta perfeita para ajustar a transparência de uma textura.
Dê um duplo clique na camada e jogar com a Mistura Se sliders. Em breve, você pode ajustar a transparência de branco e preto com eles. Segure a tecla Alt para "quebrar" um controle deslizante e obter um efeito mais gradualPrecisamos entender o que uma textura realmente é. Não é um "padrão rough" colocado à direita no objeto. É, efectivamente, a rugosidade de uma superfície. Quando a luz atinge uma superfície lisa, é refletido de maneira uniforme. Se
a superfície é áspera, ou seja, feito de pequenos solavancos e fendas, a
luz batendo ele irá criar um conjunto de pequenas sombras. E essa é a textura que vemos.
Outro facto pode ser derivada desta. Se é luz que cria textura visível, não pode haver textura sem luz. E o que é sombra, se não a falta de luz? Portanto,
temos de reduzir a textura em áreas escuras (se há luz presente
ambiente), ou removê-lo em tudo (sem luz, sem textura). Você pode usar o Layer Mask para ele, ou jogar com a Mistura Se sliders (segunda linha). Tenha
em mente que as fendas de textura são de fato sombras, por isso não
devem ser mais escura do que a área de sombra "normal". Aplicando uma textura é rápido e fácil quando você sabe quais as acções a tomar depois de escolher um. No entanto, este não é o fim.
Cada textura é diferente, e enquanto alguns deles ficará muito bem
quando aplicado diretamente, a maioria requer um pouco mais de trabalho.
Mais uma vez, a regra 80-20 se aplica aqui. Adicionando uma textura é fácil, mas fazê-lo funcionar é o que leva mais tempo. No meu exemplo eu tenho misturado as bordas de sombreamento com escalas individuais. Coisas como esta são muito demorado, mas eles mudar tudo! A primeira esfera tem uma textura lisa no modo Overlay com menor opacidade, para torná-lo menos aparente; o segundo é o mesmo, mas com distorção aplicada. Compará-los para o último, com o costume Misture Se valores e mistura ajustada manualmente
Conclusão
Como
vimos, a maioria dos problemas vêm de iniciante aquela vontade de
conseguir grandes coisas sem esforço, tão rapidamente quanto possível. Portanto,
não é realmente sobre a falta de habilidade sim, é sobre o que a crença
profunda de que o Photoshop é um programa de fazer arte. Isso leva a uma constante busca de ferramentas e truques, em vez de fazer um esforço para entender e resolver o problema.
Você não pode se tornar um artista digital em um dia, só porque você comprou um pedaço avançado de software gráfico. Photoshop é apenas uma ferramenta-mais conveniente de usar do que os pigmentos e escovas, mas ainda é uma ferramenta. Ele não pode fazer mais do que você pretende que ele! Se você quiser fazer o melhor possível, tratá-lo como uma tela digital com cores digitais. Esquecer-se sobre todas estas ferramentas de fantasia, filtros, escovas, ou modos de mistura. Basta pintar, como você faria em uma tela real.
Saiba teoria da cor, perspectiva, anatomia, todas essas coisas que os artistas "normais" deve aprender. Com
o tempo você vai entender como usar as ferramentas do Photoshop para
fazer as mesmas coisas mais fácil e rápido, mas não colocar o carro
antes do cavalo, tentando obter grandes efeitos sem compreendê-los. Paciência é a chave!
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